别再拿袁雪芬为“乱改越剧”背书！她们的“改革”根本不是一回事

更新时间：2026-02-08 19:56  浏览量：1

舞台灯光炫目，声光电淹没了水袖的轨迹；概念包装前卫，却听不到流派唱腔的韵味——当“创新”成为解构本体的通行证，我们不得不问：越剧，究竟要走向何方？

“当年袁雪芬改革越剧也被骂离经叛道，现在不也成经典？”

每次为茅威涛的争议作品辩护，总有人搬出这套说辞。

这话看似有理，实则偷换了最核心的概念。将两种性质截然不同的“改革”强行等同，既是对历史的误读，也是对当下的逃避。

我们今天把话说明白：老戏迷反对的，从来不是改革，而是“无章法、丢本体、四不像”的乱改。

1940年代的越剧，正处于从乡村草台戏向现代剧场艺术转型的关键时期。

袁雪芬、尹桂芳、范瑞娟、傅全香这一代人面对的，是一个尚未成型、亟待规范的剧种。她们的目标清晰而坚定：在死守越剧本体的前提下，把它做规范、做高级、做现代。

她们完成了四大奠基性工作：

· 废除幕表制，建立完整的剧本、导演、舞美体系

· 强化声腔艺术，在传统四工腔基础上发展出尺调腔、弦下调等新腔

· 规范表演程式，将话剧的现实主义表演与戏曲的写意美学相融合

· 确立流派格局，使越剧从“戏”变为“剧种”

最关键的是，这一切改革都建立在“越剧首先是戏曲”这一铁律之上。

袁雪芬在1946年《雪声纪念刊》中明确写道：“改革越剧的本身仍是越剧，这是我们随时随地都不能忘却的。”

老戏迷对茅威涛及其团队的批评，聚焦于四个不可回避的“失守”：

唱腔的退让。戏曲是“声腔艺术”，听比看重要。但不少新创剧目舞台炫目、调度复杂，唯独唱腔单薄、流派模糊，传统韵味被稀释。

程式的消解。虚拟化、写意化、程式化——这是戏曲美学的三大支柱。但在实景堆砌、灯光滥用、话剧式表演的挤压下，戏曲的独特语汇正在失效。

定位的游移。既想保留戏曲元素，又想靠近现代剧场，结果往往是“戏不戏、剧不剧、音乐剧不像音乐剧”，失去了艺术形式应有的纯粹性。

路径的飘忽。改革缺乏稳定的美学追求和可传承的范式，更像艺术家的个人实验，而非剧种发展的有序探索。

这不是“保守派对新潮派”的战争，而是“专业眼光对业余改造”的审视。

把袁雪芬与茅威涛简单类比，是典型的概念混淆：

时代使命不同。袁雪芬面对的是一个尚未成熟的剧种，她的任务是“建体系”；茅威涛面对的是一个已然成熟的剧种，她的尝试属于“再探索”。

改革方向不同。袁雪芬是向内深挖——让越剧的戏曲特性更鲜明；茅威涛是向外拓展——让越剧的边界更模糊。

结果导向不同。袁雪芬的改革成果——如《祥林嫂》《梁山伯与祝英台》——成为了可教学、可复制、可传承的范本；而许多争议作品则停留在个人化、实验性、不可复制的阶段。

袁雪芬是建筑师，她在为越剧建造一座结构稳固、风格鲜明的大厦；而某些实验更像是在大厦外墙涂鸦——或许引人注目，却未触及建筑的根本。

“你们反对创新，就是让越剧等死！”

“不在乎年轻人，越剧还有什么未来？”

这些充满道德优越感的指责，回避了真正的艺术问题。越剧必须改革，但改革不等于胡改；越剧需要年轻人，但吸引年轻人不等于讨好年轻人。

真正健康的创新路径清晰可见：

· 经典复排现代化：在保留艺术精髓的前提下，提升舞台呈现的当代审美

· 传统唱腔新编配：用现代配器丰富伴奏，但不动摇声腔本体

· 新编剧目守根脉：题材可以创新，但唱腔、程式、流派必须严守规范

· 传播方式年轻化：通过短视频、直播、跨界合作吸引关注，但不动艺术内核

2018年上海越剧院复排的《红楼梦》，在保持经典唱段一字不改的前提下，通过舞美灯光、叙事节奏的微调，吸引了大量年轻观众，票房爆满。

这证明：守正与创新，从不是对立关系。

尊重艺术家的个人探索勇气。那些先锋的、实验的作品，确实可能为剧种注入新的灵感，拓展新的可能性。

但必须明确一个原则：个人的、实验性的尝试，应被界定为“艺术探索”，而非“改革方向”。

剧种的发展，需要的不是颠覆性的断裂，而是在传承主轴上审慎的演进。有益的实验成果，应当经过时间的沉淀、行业的甄别，才能被吸收、转化，成为可传承的新范式。

日本歌舞伎的现代化之路可供借鉴。他们严格区分“传统公演”与“实验作品”，前者绝对严守六百年规范，后者允许艺术家自由尝试。这种“双轨制”既保护了传统不被破坏，又为创新提供了安全空间。

越剧能走过百年，不是靠一次次自我否定，而是靠一代代人先守住根，再慢慢往前挪。

1938年，姚水娟提出“改良文戏”时，坚守的是从“路头戏”到“剧本戏”的戏曲本体。

1950年代，上海越剧院建立导演制时，强化的是戏曲的舞台整体性而非消解其特性。

每一次真正的进步，都是在越剧“之所以为越剧”的那个核心上做加法。

今天，我们面对的不是“要不要改”的问题，而是“往哪里改”的选择。

当声光电的炫目遮蔽了唱腔的韵味，当写实布景取代了虚拟时空，当话剧表演消解了戏曲程式——我们失去的不仅是形式，更是戏曲观看世界、表达情感的那种独特方式。

真正的传承者，既不做顽固的守旧派，也不做盲目的革新派。他们的使命是：在喧嚣中辨认越剧的灵魂，在变动中守护不变的根脉。

因为只有魂在，未来才有方向；只有根深，新枝才能茂盛。

曾有人问京剧大师梅兰芳：“您的戏改来改去，就不怕改坏了？”梅先生答：“我改的是方法，不变的是京剧的规矩。”

这句话道出了传统艺术创新的真谛——形式可以千变万化，但本体不可动摇。 当越剧的声腔不再动人，程式不再精美，写意不再空灵，那么无论舞台多么华丽，概念多么新颖，它都已经不再是越剧了。

改革的勇气值得赞赏，但比勇气更重要的，是方向。